《外国经典音乐》课程论文

浅谈《莫扎特传》中的音乐融合性——观《莫扎特传》有感

摘要 ： 莫扎特是外国古典音乐的代表人物，基于均分追求和音乐态度两方面选择《莫扎特传》作为论文选题。通过个人经历介绍、电影音乐态度两方面展现选题缘由。通过对《莫扎特传》中的三部作品唐璜、安魂曲和弦乐小夜曲在电影效度和音乐本身两方面展开分析，进而展现《莫扎特传》中的音乐融合性。

关键词 ： 莫扎特传  古典音乐  融合性

中图分类号 ： J617.6　　　　　            文献标志码 ： A

1  选题背景

1.1  电影与个人经历

选择《莫扎特传》作为论文选题的原因主要有两点。其一源于出国对均分的要求，不得不朝满分卷；其二源于本身对音乐的态度，音乐上的失而复得让我更增添了几分敬意。

其一不必多言，主要谈谈其二。

我对音乐的态度仅次于主修学科计算机。虽然相较身边大多数人我并没有什么音乐天赋，真正算上开始学习音乐也是去年这个时候，但这依旧不影响我对音乐本身的尊敬与音乐上的追求。

其实说来也巧，我之前是没有接触过《莫扎特传》这部电影的（当然莫扎特还是有所耳闻）。这部电影非常有意思的一点是以萨列里的口述方式描述传记，消除了传记形式本身带来的严肃感，当然在史实还原上存在一定的误导性。在电影看完以后会给我一种萨列里是一个妒忌他人才华的小人的形象，但经过后来的资料查证，发现并非如此。他也是一名伟大的音乐家，并且还是贝多芬、舒伯特和李斯特这三位音乐巨匠的老师。当然作为一部艺术电影作品，它相当成功，看完电影后给我一种迫切想拉片的欲望（平时会和影院新传一起拍拍片子，所以对电影本身比较感兴趣）。后来一查，果然，八项奥斯卡获奖。所以，跳出现实，以电影视角来看，我仿佛就成了“删减版”的萨列里。

小时候是学过琴的，但很早就没学了。由于经济因素，儿时只能在不到百块的业余老师那学习。虽然无论在演奏技巧还是音乐理解上都差了别人大截，但我一直很庆幸父母能有远超于所在圈子其他人的认知，毕竟我儿时学琴听到别人说的最多的就是“男孩子学什么琴，像个小姑娘一样”。无论是父母还是我，其实都没法做到不惧流言，但所幸我对音乐是热爱的，也就一直坚持着。由于学业和其他因素，还没接触到正式的古典音乐作品，就没有继续学习，这也是比较遗憾的事。

有时生活就像巧克力。因为我比较喜欢电影，因此和电影学院的朋友走的比较近。偶然的机遇下，被影院朋友得知我会一点钢琴，于是受邀一起组乐队玩玩。一开始我是害怕的，一方面自认实力不够；另一方面虽然我的父母思想足够开放，但毕竟圈子受限，组乐队在他们的认知下和泡夜店是一个性质。庆幸的是，我的朋友一直鼓励我试试看，再加上他们人均绩点3.7，变身不良少年的刻板印象似乎也就迎刃而解了。

在外界看来键盘和钢琴就是一个东西，但事实上键盘对乐理、对听感、对那些free的东西要求极高，于是对只会照谱弹的我寸步难行。我不断学习，虽然能悟到的内容有限，但结实了很多音乐上厉害的朋友。有和我一个学院的原创音乐人、有初中就开了音乐工作室的潜在专业音乐人、还有已经全国巡演发了专辑的乐队朋友......他们就好像是莫扎特，有着我难以匹及的天赋。

要说嫉妒也是有的，我听了半天都听不出的和弦，绝对音感的他们一遍就知道了；为年会准备的原创歌曲甚至比不上他们信手捻来的即兴。但我更多还是觉得幸运的，因为接触到了这么多的“莫扎特”，我才有机会提升我的音乐素养，之前年会编的曲子（因为疫情年会取消了所以也没展示）现在看来真的槽点无数，因此我还是进步了的。同时作为我父母圈子里唯一一个算是在学习音乐的孩子，我已经无法再有更多的索求了。

对于古典音乐，其实小时候弹练习曲的时候还是会觉得有些枯燥，但是等接触流行歌曲多了就发现古典是很多曲子的精髓所在——周杰伦的《土耳其冰激凌》中《土耳其进行曲》的完美融合、不能说的秘密中的配乐《Secret》（演奏见附件），陶喆《爱我还是他》中吴庆隆编的富有浓厚的古典色彩的间奏。

这也是我选择通过《莫扎特传》深入探究电影音乐的原因。

1.2  电影音乐

前文也提到了我对电影非常感兴趣，对我来说电影音乐是电影除去电影核心要素外最重要的构成。我之前看《海上钢琴师》就非常喜欢里面的配乐，自己也弹了里面的《playing love》（演奏见附件）。关于为什么不弹斗琴的问题？很明显，没水平。

回到正题，我自己拍过一部微电影、和电影学院国庆拍了一部《丑小鱼》，毫无疑问音乐都是大头。第一部因为疫情原因通知展演不了，加上当时封校场景都拍不了，只有我自己剪的一般粗粗剪（文件太大了，加上很粗糙，就不发了）。《丑小鱼》的话因为剧情原因，对音乐要求也很高，很有可能还要调一个梦幻而有悬疑的音色，有种希区柯克变焦+逆光+晕倒时的那种手持晃动镜头夹杂在一起的感觉，看后面导演的需要了。

其实从我上面的表述就可以看出，音乐在我这甚至是一种启发剧本的产物，这点在我未来可能会尝试拍的一部短片中体现的会淋漓尽致。关于这部电影的剧情，我就要当一回“莫扎特”了。还是举电影结尾的一个例子，稍微透一点。男生正在进行第一次也是最后一次的乐队演出，对经历过疫情动荡的他来说，明白了只谈追求不谈钱是多么的可笑。因此对他来说尽管他和乐队朋友们志同道合，但他得为生存考虑，所以他选择默默退出乐队，只有这样才能不影响乐队初心的纯粹，这点其他人也心知肚明。大家都明白这是第一次也是最后一次在一起演出了。另一条线，男生喜欢的女孩子是他音乐的知己（水平高于他），一起讨论音乐时，女孩用吉他弹了一组梦幻的和弦进行，据此他创作了一首原创作为演出的压轴，并用特殊的方式想在不被察觉的情况下邀请女生。然而女生并没有来，最后男生一个个拥抱了乐队中所有的乐手，默默地作最后的告别。

情节看着还行，但考虑实际表现与节奏，存在一定问题。首先这首原创曲一定要完整展示，但考虑学生拍摄成本不可能找一堆群演、各种机位，像《波西米亚狂想曲》一样展示，好不容易写的曲子又不想只演半首。这种对电影音乐的固执，反而在某次给了我一个表现力上更强的启发。我某一天去打印店打印，看到教超门口有学生和店员吵架，学生没有口罩了然后说我进去买一个带上行吧；店员说这是规定，你不能进。紧接着学生想要硬闯，店员一把他拦住，广播中播放着“进店请佩戴口罩”，一下子戏剧般的矛盾冲突就起来了。此时校外传起了管乐团吹奏的声音（就是一直在鸿基广场的那个老年人乐团），在感受到洗礼的同时，校内与校外却有一种说不出的错位或者说迷幻感。我一下子领悟到为什么要把乐队演出地点放在校外呢，为什么不设置一个隔离封校最后只能从原定的校外到校内演出的情节，场地问题也不用考虑了。这一个想法其实非常的妙，因为没有透露之前的剧情可能不太能感受到，但确实让之前所有埋的点一下子聚集在了一起。

女主是推动故事情节的重要角色（虽然实际出境的戏份并不多），用音乐的名词来说，最后没有“解决”，这显然并不合适。那天感受到的迷幻感，启发了我如下的情节：在原先的基础上，男生演出结束后喝酒，加上酒量小（之前从没喝过酒，和前面剧情直接呼应），所以半醉半醒地。接在管乐团后，听到音乐后转过身，看到女生站在学校外（有封校理论上不能出校的设置）。“她撑着那把透明薄伞，如往常一样，地面的倒影朦朦胧胧地渲染着她。我佯装平静，那淅淅索索的雨声敲打在伞面上，撞湿了空空的酒瓶。我果然是醉了。”Falling前奏正好过，贝斯起的那一刻，画面黑屏，2秒后贝斯结束，片尾起，情绪也推上去了。

2  《莫扎特传》电影配乐分析

2.1  唐璜

《唐璜》是莫扎特所做的一部经典歌剧，正如这部歌剧本身所展现的，以音乐本身展现人物复杂的内心活动和人物情绪。莫扎特自己也说过，在歌剧中，音乐占绝对主导的地位，诗歌不过只是音乐的儿女；我不是诗人也不是作家，只有音乐才可以表述我心中的感情和思想。[1]《唐璜》这一歌剧贯穿电影全篇，共五次出现，奠定了影片的基调，推动剧情发展，并渲染出紧张而灰暗的情节，预示着莫扎特命途多舛的一生。

第一次出现作为开场序曲，在萨列里“莫扎特”的呼喊声中，紧张的乐队管弦全奏，低音提琴延绵，在仆人看到萨列里倒在血泊中后倏然响起，渲染了电影全篇的紧张与悬疑感。

第二次出现是在莫扎特找萨列里帮忙，受萨列里所托教收学生，却实则在对莫扎特的音乐态度与执念进行摧残与侮辱。在回家看到楼梯上站着的父亲，强奏再次响起。

第三次出现是噩耗的出现，父亲的离世。莫扎特因萨列里歌剧的轰轰掌声，自己却不得志，和朋友宣泄，回到家听到妻子小声说“你父亲离世了”。此时全奏再次响起，并且作为场景切换，切换到歌剧的演出，“这是罪人的报应”。

第四次和第五次出现是莫扎特在显示的压力下写歌，身心俱疲，最后不堪重负。

唐璜这部歌剧本身在刻画不同人物的不同情绪时，也采取了不同的处理方法。例如，《唐璜》中三位女主角也有不同的音乐形象。在第一幕第二场中，艾尔维拉演唱了一首咏叹调，表达自己被遗弃后的愤怒以及对唐璜依稀的爱恋，这段咏叹调非常明确的表现了她爱恨交织的情感特点。这段咏叹调为降E大调，四四拍，弱拍后十六前奏的行进，为了配合表现艾尔维拉内心的极度痛苦和悲伤，旋律部分莫扎特也选择了强拍附点行进。另外，第三场安娜认出唐璜是杀害父亲的凶手后，演唱一首《现在你知道了他是谁》，演唱中声音要饱含悲愤，曲调也由原来的降E大调改为D大调，为了表现安娜正直倔强的性格特点，伴奏较为急切，演奏程度较为强烈，多采用持续强音来演奏；而同一场中采琳娜和未婚夫结婚的场景，为了表现婚礼欢乐的场景，在演唱《你们心中想着爱的人们》时，旋律基调为G大调，拍子改为八六拍，并且设置了连续上行的八分音符用以表现采琳娜和她的未婚夫即将开始的快乐生活。歌剧《唐璜》中三位女主人公多次使用咏叹调表现自己的情绪和情感，例如在《鞭打我吧》唱段中，莫扎特连续两次使用12个十六分音符表现内心的喜悦，所以，在演唱时要依据人物角色在整部歌剧中的身份地位，并通过拍号和调性的变化来调控情感，正确使用演唱技巧，准确表达人物感情。[1]

2.2  安魂曲

电影中安魂曲的出现也有类似作用。第一次在电影里出现是穿着莫扎特父亲曾经穿过的黑色斗篷和黑色面具，走向莫扎特的家。低沉而缓和的安魂曲预示着莫扎特的生命即将走向尽头。第二次推动故事的发展是莫扎特晕倒在《魔笛》演出的现场。因为之前煎熬的创作加上身体本身的疾病，已经奄奄一息，但仍然和萨列里一起创作终曲。音乐激烈急促时，画面切换到康斯坦泽坐着马车往家赶，突显康斯坦泽急迫的心情。最后电影的结尾，伴随着《安魂曲》的音乐，莫扎特走到了人生的尽头，《安魂曲》将整部电影带到了高潮。

接下来，谈一谈未创作完成的那一部K626《安魂曲》。Dies irae中A段反复，然后因为接B，最后两个小节不演奏。22112的句型是一种非常古典的表现。莫扎特第25首交响曲的第四乐章也是这个形式。

A a2 2 1 1 2 (1)       b3 3 4  (2)

  a2 2 1 1 2 (1)       b3 3 4  (X)

B 2 1 1      2 1 1      2 2 2 2      4 5 （3）

2.3  弦乐小夜曲

电影情节中有这么一个剧情，唯一听过的曲子不是萨列里写的而是贝多芬写的。根据这一首我简单了解了奏鸣曲式。主要分为三个部分，呈示部、发展部和再现部。呈示部分为主部主题和副部主题。两者需要有一些联系，常常会用一些调性对比关系。发展部是主体的发展变化，加入新元素，但不能抢占主次。再现部与呈示部相似。按莫扎特原意希望这首以小型室内乐章演奏，二提中提两把，大提琴和低音大提琴各一把。非正式场合会采用弦乐四重奏。前面的是引子，简短而富有张力，之后的主部主题自然活泼、富有朝气。节奏工整、旋律华丽。主部主题结尾从G大调转到D大调的属和弦，为副部做准备。副部D大调，采用舞步式的轻快旋律，总体情绪和主部类似。发展部只有20个小节，有转调，推动音乐进行。最后再现部重现，副部未转调。衔接结尾coda。

3  结论

《莫扎特传》采用莫扎特作品作为电影配乐，其音乐作品在电影中得到了淋漓尽致的演绎。通过传记形式，莫扎特每一时期的音乐风格和他的人物形象紧紧地绑定在了一起，将莫扎特坎坷的一生，他鲜活丰满的人物形象，即时性地呈现在了大众面前。在推动剧情和情绪的同时，也将莫扎特这位音乐才子在音乐历史上的贡献呈现于大银幕上。

《莫扎特传》的电影音乐具备有非常好的融合性，值得我作深入学习。

参考文献：

[1] 周鹭. 从《唐璜》看莫扎特歌剧的音乐特点[J]. 黄河之声, 2019(6):2.

 

附录：和声学学习小论文

一、调式音阶

课上谈到霍尊的一首《卷珠帘》，那就从这首谈起。

首先，对于中国风基本就是五声音阶宫、商、角、徴、羽，清角、变徵、变宫分别是4、升4和7等，也就构成了中国风七声音阶雅乐音阶、清乐音阶和燕乐音阶，来源于唐朝的燕乐二十八调。

关于《卷珠帘》这首歌如果从中国风的角度来说采用了雅乐音阶，从中古调式的角度来看是多利亚调式。这两个构成音完全相同，所以也似乎有很多关于它是哪种调式的争议，谈谈个人观点。

其实从历史角度来说，燕乐二十八调相关记载雅乐来自西域的龟兹国，因此很有可能是分别传入，然后经历史演变后成了两个分支，本质上排除地域特色应该可以归为一类。

多利亚调式在发展中，融入了西方特有节拍，如华尔兹，这点是中国古代没有的节拍。不过卷珠帘是一首四四拍歌曲，因此无法从这点上区分。

那就从本身音乐性上来谈谈，虽然变徵、变宫这个说法都经常被听到，但实际上传统雅乐中7比升4出现的频率要高的多，但这似乎存在一定的幸存者偏误。不过雅乐另外一个特点“装饰音”上作区分的话，我认为这首曲子更偏向于多利亚。在传统雅乐中虽然存在变徵与变宫的说法，但基本只做经过音处理，而在曲子第二句“透”直接是一个升4，后面有不少地方也是同样，因此从音乐性角度上我认为这应该是算是一首多利亚调式。不过霍尊在演唱时的处理，包括很多一字多音的地方，赋予了这首歌曲富有中国风的色彩。

另外霍尊先生在访谈中也提到“一开始我是想写一首爱尔兰情调的曲子，但写出来后发现也可以像中国风，经与友人填词反复修改后，这首歌曲就从爱尔兰范儿拐到了中国风”。[1]

这大概也是这首曲子兼容两种曲风的原因。

就此谈谈中古调式，现在用的比较多的有多利亚和莉迪亚。这两种更像是自然小调与自然大调的类比，直观上来看就是4升高半音。

上面谈到了多利亚，下面简单谈谈莉迪亚。

莉迪亚特征和弦为二级大三和弦，吴青峰非常喜欢用，比如《无与伦比的美丽》，和弦走向CDFG，这里D就是它的特征和弦，赋予歌曲温暖又治愈的感觉。

除此还有混合莉迪亚听到一些，五级作特征和弦。

二、和声

基础的和弦之前还是有过一些了解，纯和声部分比较让我启发的主要是和声色彩的那张图，对于每种和弦的深入研究由于时间原因并没有全部进一步探究。最后将一首曲子的配和弦思路来作展示。

那么首先谈谈比较特殊的一种和弦——sus和弦。某节课在分享曲子的时候提到了sus和弦转调的事，因此课下又深入了研究了一下。

我学习的资料告诉我sus4放在马上要转调的地方作过渡，会更自然，我实践了一下没感觉。后来我发现因为教程里转调都是小调转小调，而我直接小调转大调那确实不会很自然了。但是基于这个点，我突发奇想，可不可以借sus4走向大三和弦的倾向性推演到小调转大调的倾向性。因为纯个人探索，因此难免会有不自洽的地方。想法如下：

首先一开始那个调走向不管，最后一个和弦后加上它的副属七和弦（？后来感觉三和弦走离调好像也行），然后接一个sus4（我个人感觉sus4有种衔接大小和弦的作用），利用sus4的归属作用回到主和弦，然后就有种大调的延伸感，这样子再接大调的和弦就会比较自然（详见展示视频1）。

再接着谈转调，除了副属转法，还可以把和弦打碎，也就是采用调式互换让原先调式感变得模糊，尝试了下，还不错。

还有一种增和弦的方法，增三和弦替代属和弦，解决至新调的主和弦，再用终止式巩固新调。原理就是在于声部连接：一个或两个声部保持共同音，另外声部中作半音上行或下行。这就存在两种情况，两个不变，其余升高半音，得到三个小三和弦，一个不变，另外两个同时升高得到三个大三和弦。（3+3）*4=24，理论上可推演出二十四个大小调。

另外sus4和弦还能利用倾向性，歌曲结尾增强半终止感觉，或者副歌前加强衔接感，比如周杰伦的《开不了口》主副歌连接处（这个其实很多，估计太多了教程里好像都见不到了）。

sus2由于时间原因没有深入研究，暂时没有什么特别的心得。

然后就是配和弦的一个尝试，基于苏打绿的《小情歌》。（这是少有的觉得耳朵不好的好处，反正听了也不记得和弦，可以拿听过的曲子随便尝试）

搜简谱点了前几个谱子都错的，好烦，我自己写吧，偷个懒节拍和音高就不标了。

0 1 7 1 7 1 7 5 3

5 7 6

0 1 7 1 7 1 7 1 3 3—

3 0 6 1 6

1 3 2 0 5 7 5

7 2 1

3 2 1 2 1 降6

5 0 1 7 6 5

1）1357肉眼看上去CMajor7，但是大七和弦色彩不是很符合，加了7不在主要旋律中，因此用C更融洽。

2）三个音顺序排列，且一音一词，一个和弦是不够了，57一起考虑到上一个C的和弦连接，考虑Em，和弦色彩融洽。基于和弦连接层进，6用F。

3）重复1

4）先尝试2的和弦，F或Am，考虑和弦色彩选Am

5）原理同2）,2不是经过音，因此再配一个，结合后面的575，采用G,因而整体C+G。不过在听了原曲以后，发现这边和弦配错了，应该是一个F。但是为什么这里是F吗，从乐理和听感上感觉C是完全可以的。在多次聆听以后感觉这边如果用C就平了，这边感觉是一个网上推的过程，C似乎就有一个跳脱感，缺乏推动效果，也给我个人编曲不少的启发。

6）随上面，减和弦排除，Em；1不考虑主和弦，过于稳定，放在三音，用Am

7）这里配得比较懵，Em F Fm 感觉推进效果还不错，后面那个Fm由于包含一个离调音，肯定是不能动的，但是前面这个原曲是给了一个Fmajor7吧好像，我其实不太能理解Em和F为什么没有用，这样子有个推进感，后面一个小节大和弦再有一个sus，做停顿这里加个鼓，感觉还可以（？）。也许也可以用，但会是不一样的风格，由于时间太完了，不方便弹琴验证了（键盘正在学校隔离orz），明天弹弹看。（我报告先交，后面有启发了单独补充）

8）G做停顿，再加个sus感觉也不错

三、爵士乐的背景

爵士乐（Jazz），19世纪末20世纪初源于美国，诞生于南部港口城市新奥尔良，音乐根基来自布鲁斯（Blues）和拉格泰姆（Ragtime）。其发源的很大基础在于Blues音乐，可以说Jazz的大多理论都可以覆盖Blues理论，它更像是从Blues中延伸发展出来的音乐风格。

因此在介绍爵士乐的背景时，我想先聊聊Blues音乐。Blues最早起源于美国黑人的民间音乐，按照类别可以分为Delta Blues、Texas Blues、Chicago Blues等，还有两种就是我们比较熟知的R&B和JB，也就是节奏布鲁斯和爵士布鲁斯，前者华语乐坛例如陶喆、方大同、周杰伦都有很多这种风格的歌曲，比如我非常喜欢的陶喆的歌曲《普通朋友》，后者也就是通俗意义上的以爵士乐风格演奏布鲁斯。

Blues音乐较为明显的定型特征有布鲁斯音阶和十二小节布鲁斯。所谓的布鲁斯音阶其大调Blues”音程排列：大二度，小二度，小二度，小三度，大二度，小三度，以C大调的Blues音阶为例就是C D bE E G A C（也可以把它看成首调记名）。“小调Blues” 音程排列为 ：小三度，大二度，小二度，小二度，小三度，大二度，这种排列与“羽调式”十分接近，其区别在于三四音中的Blues Note，C小调音阶如图1所示。

图1  C小调Blues音阶

第二点就是十二小节布鲁斯，是指在布鲁斯音乐中，存在着一种起源于教会音乐中的福音诗歌被普遍采用的和声进行，一般体现在约定俗成的十二小节。

其主要分为三个部分（如图2所示），主句、重复句和对应句，一般选用的和弦有I7，IV7，V7

图2  十二小调布鲁斯总体结构

I7为主功能，IV7为下属功能，V7为属功能。

除了首调的布鲁斯旋律音阶以外，还可以根据各级和弦中的和弦音、可用扩展音等，归结成多种音阶（如图3所示）

作为I7，可用扩展音9，#9,13（C7）。其余也类似。

回到爵士乐，它作为Blues的延伸，无论是节奏、和声还是旋律都复杂的多。要说什么时候Jazz灌入了不同于Blues的特质，我觉得是Behop的出现。1941年的时候，崭露头角的爵士新人查理·帕克（Charlie Parker）、小号手迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）与吉他手查理·克里斯钦（Charlie Christian）游离在商业演出的边缘。他们来势汹汹，在纽约哈莱姆区掀起长达数小时的演后即兴风暴。这种音乐风格后来有了名字，叫作Bebop，以其高度的理性、复杂和艺术性冲击了当时流行的“摇摆爵士”（Swing Jazz）。他并不如传统Swing Jazz的歌舞性，而成为了一种更加深厚、几乎是发自肺腑的艺术表达方式。

图3 C7和弦音阶选用

四、我所理解的爵士乐特征

爵士乐风格丰富多彩，总体来看的特点在于常规重音的先现或延迟，也就是常说的切分节奏特性；另外非常非常强调即兴演奏，一般去听爵士乐队演奏，每场都会是不一样的；另外就是不同于一般音乐的复杂独特的和声进行。

4.1  爵士乐的节奏特征

我们一般听Jazz风格音乐都会觉得“额，这个律动，太棒了”，这就可以归因到它的节奏律动形态，主要有两种Straight和Swing，区别在于八分音符的演奏方式上。

Swing在于三连音中对中音的省略(如图4所示)

图4  Swing的两种记谱法

乐句b的记谱法为实值计谱法，乐句c的记谱法为一般常用的记谱方式。说到记谱方式，我就想到中国古典音乐的计谱方式，譬如最早的减字谱、文字记谱法、工尺谱，大多也都强调即兴的创造力，但这种个人特征的展现似乎就没法融入大众，至少我现在身边所接触到的音乐环境，中国传统民乐还有Jazz这类的音乐始终处在一个小众环境中。

平直风演奏主要是拉丁美洲风的Jazz，节奏律动以八分音符为基础（如图5所示），选自《致谢里尔的波萨若瓦》

图5  Straight形态乐段

   节奏组是爵士乐队演奏的核心，主要由钢琴、低音提琴和爵士鼓组成。钢琴作和声乐器为避免和低音提琴的低音冲突，一般和弦部分弹奏和弦转位，另外对于一些solo部分也会有钢琴的加入，在之前提到的Blues中尤为突出。提琴主要负责和声低音进行和特有节奏型的节拍运动。鼓是节奏核心，对于这些节奏型我本身并没有特别多的了解，因此不做介绍。

4.2  Jazz和声进行

首先，Jazz在和弦省略上是可以省略根音和五音，但不能省略三音和七音，因为这是Jazz的特质所在。这点与日常和弦演奏有很大不同，我们一般会在三和弦上省略三音形成强力和弦，但这在Jazz中并不常见。

对于现如今Jazz的和声，广泛使用替代和弦，七和弦基础上大量的延伸音，各种复杂的进行，因此对于我来说，应该连了解Jazz的和声都算不上。据我的了解，延伸音，也就是老师上课所提及的泛音列基础理论上构成的人工“变化延伸音”，在听感呈现上提高了紧张度和和弦色彩的丰富，但是在使用的时候，比如9音一般会把它作一个变化，让它回到一个中音区的位置，相邻声部避免连续的二度音程，11音一般省略三音，因为它与原先3音构成了一个小二度关系，也就是上课展示的极不协和的样例。由于这个特质，有时候也会把它看成和弦的一个sus，准确来说就是sus4，也会导致一些情况下sus并不会下行解决，呈现上也会有不错的感觉。有时候选择保留3音，这时候会给一个#11，与其构成大二度关系。对于13音也可以以此类推。但是对于简化的13和弦，由于同时存在的二、三、四度关系，在声部排列进行上显得比较复杂，至少在我的水平层面，做不到free。因此Jazz对我来说也确实是个又爱有恨的东西(?也许)。

另外Jazz还有替代和弦丰富色彩，老师之前上课讲过在编曲是人声延留是可以再给一个和弦，这样在听感上会显得丰富很多。对此，Jazz的呈现尤为突出，比如I到V7属和弦进行（这个在转调中似乎用的比较多），我可以中间给替代和弦，就变成了I VIm IIm V7。另外还有一些诸如5-6-7-8的声部运动，但是所有我能接触到的都只能说是一些总结下来的套路，至于我free下来的东西，目前好像并没有，这是爵士乐让我觉得比较困难的地方。